碧南市藤井達吉現代美術館 「リアル(写実)のゆくえ」 ミニツアー

カテゴリ:ミニツアー 投稿者:editor


碧南市藤井達吉現代美術館で開催中の「リアル(写実)のゆくえ」(以下、「本展」)鑑賞の名古屋市美術館協力会ミニツアーに参加しました。参加者は16名。当日は土生(はぶ)和彦学芸員(以下「土生さん」)のギャラリートークが予定されていたので、一般の方に交じって14:45まで土生さんのギャラリートークを聴き、その後は自由観覧・自由解散でした。

ギャラリートーク会場は満員

ギャラリートーク会場は満員


◆「鮭」の絵が、4点も
 集合時間の午後2時にはギャラリートークを待つ40~50人程の参加者で2階ロビーは満員。最初の展示は、高橋由一の《鮭》と磯江毅《鮭-高橋由一へのオマージュ》。土生さんは「高橋由一の《鮭》は、日本の写実画の出発点。磯江はスペインで写実画を学び、日本に帰国した時に、『日本人の写実画とは何か』を考えたうえで、描いたのが鮭の絵。2つの鮭の間には150年の歳月がある。磯江は、板に麻紐で縛られた鮭を描いているが、板の割れ目や木目は磯江が描いたもの。画面の荒縄や麻紐の端には本物の藁や麻を張り付け、『だまし絵』のようになっている。また、高橋由一の《鮭》は、今回展示の《鮭》山形美術館寄託の外に、東京芸術大学と(公財)笠間日動画廊も所蔵しているが、皆さんお馴染みの、美術の教科書の挿絵や切手の図柄になっているものは東京芸大所蔵の《鮭》(重要文化財)。本展で借りようとしたが、東京芸大の展覧会に展示するということで断られた。」と、残念そうに話されていました。
当日の午後8時からEテレ「日曜美術館」で、平塚市美術館「リアルのゆくえ」展特集が再放送され、磯江毅の奥さんの話もありました。それによれば、「鮭を描くんだ」と張り切って上物を探してきたのですが腐り始めたために、形が崩れないよう麻紐で固定したそうです。
なお、東京芸術大学の《鮭》は左側に目があり、切り取られている鮭の身は全体の4割足らずで少な目。笠間日動画廊の《鮭》は、ほぼ半身の状態。したがって、磯江の《鮭》に一番近いのは、今回展示の《鮭》山形美術館寄託。結果として、この組み合わせで良かったと思われます。
 なお、2階展示室の最後にも鮭。木下晋《鮭》と三浦明範《鮭図-2001》の2点。鮭は写実画の原点なのですね。
どれもクオリティの高い作品ばかりです

どれもクオリティの高い作品ばかりです


◆黎明期の写実画が「気味が悪く見える」わけは?
 展示は年代順で、「第Ⅰ章 写実の導入 < 明治の黎明>」、「第Ⅱ章 写実の導入 < 明治中期以降>」、「第Ⅲ章 写実の展開 < 大正>」、「第Ⅳ章 昭和 < 戦前・戦後>」「第Ⅴ章 現代の写実」の5章。
 第Ⅰ章には、4月に参加した三重県立美術館のミニツアーで見た岩橋教章《鴨の静物》をはじめ、黎明期の写実画が展示されています。土生さんは「この時期の写実画は、どの部分も同じように力を込めて描いているため、逆に、絵の中心になるものがはっきりしない。田村宗立《加代の像》のモデルは桂小五郎の愛人だった女性で、美人の評判が高かったのだが、この絵はオバケのように見える。西洋の人物画はモデルの特徴をとらえるだけでなく、同時に理想化も施して美しく見えるように描いている。しかし、この頃の写実画は理想化とは無縁で、顔のシワなども克明に描いたため、やりすぎて気味悪く見える。これが、五姓田義松《井田磐楠像》の頃になると、進化して自然に見えるようになった。やがて明治中期になると、黒田清輝の叙情的で明るい外光派と呼ばれる作風が写実画の主流となる。第Ⅱ章では、高橋由一の流れを汲む「旧派」「脂派」と呼ばれた『非主流派』の作家による、西洋画の手法で東洋的な主題を描いた作品を展示。本多錦吉郎《羽衣天女》は、富士山と三保の松原を背景に描いた日本的題材だが、天女には西洋の天使のような羽根がある。櫻井忠剛《能面、貝合わせなど》は、黒漆の扁額に油彩で描いたもの。」と話されていました。

◆第Ⅲ章の主役は岸田劉生
第Ⅲ章では、岸田劉生の麗子像と静物画と、劉生の影響を受けた作家の作品を展示。岸田劉生《麗子肖像(麗子五歳の図》は正に写実画ですが、《野童女》になると崩れた気持ちの悪い絵になって来ます。土生さんによれば「この変化は、本質に迫ろうとして写実を越えたことによる」とのこと。なお、図書館で借りた「別冊太陽 154」によると、劉生の《壺》と《壺の上に林檎が載って在る》は、どちらもバーナードリーチ作の水差しを描いているようです。
第Ⅲ章は参加者と、「名古屋市美術館前学芸課長の山田さんがお得意の分野だなあ。山田さんが一緒に来ていたら、いろいろな話が聞けただろうな。」と、小声でおしゃべりしながら鑑賞。映画監督・俳優の伊丹十三(本名:池内義豊)の父、伊丹万作の絵が2点ありました。

◆第Ⅳ章は、具象画が低く見られた時代の作品
 土生さんによれば「昭和の戦前・戦後は、写真とは違う表現を追究した絵画が主流となり、写実的な具象画は低く見られた時代だが、第Ⅳ章ではそのような風潮の中でも写実に取り組んだ作家を紹介している。」とのこと。高島野十郎や中原實などの作品は「写実画」ではあるものの、何か現実離れした雰囲気を持っています。特に、牧野邦夫《食卓にいる姉の肖像》《武装する自画像》は、いずれも画面の一部だけがリアルであるため、いっそう非現実感が漂う作品です。

◆写実画が注目されている現代の作品
2階展示室の最後は現代の作品。上田薫《なま玉子》、リンゴとパンジーを組み合わせた野田弘《パンジー 其の参》、河野通紀《淋しい水》など、何れの作品も写実を追求していますが、やりすぎ感のある高橋由一《鯛図》等と違い、現代的で洗練されています。「本物そっくり」だけではない魅力が、どの作品からも感じられ「本展に来てよかった」と思いました。

◆1階展示室は、本展の締めくくり
 1階展示室は、礒江毅《深い眠り》から始まります。木下晋《休息》、安藤正子《Light》、吉村芳生《コスモス》など大型の作品が並んでいますが、犬塚勉《梅雨の晴れ間》、水野暁《The Volcano –大地と距離について/-浅間山》(以下《浅間山》)の前では、しばらく動けませんでした。
《梅雨の晴れ間》について、「美の巨人たち」では「人を描かずに、人の存在を表現している」と紹介していましたが、絵の世界に引き込まれそうです。土生さんは、水野暁《浅間山》について「浅間山が正面に見える場所にキャンバスを持って行き、4年間かけて何度も描いては消し描いては消しを繰り返して出来た作品」と紹介していましたが、絵の存在感に圧倒されます。Eテレ「日曜美術館」でも、この作品を描いたプロセスを紹介していました。

◆ミニツアー参加者への「おまけ」
ギャラリートーク終了後、土生さんはミニツアー参加者からのリクエストに応え、2つの作品について解説してくれました。ひとつは第Ⅱ章の石川寅治《浜辺に立つ少女たち》。「海岸の風景だと思うが、砂漠のように見えるし、背景に積み藁が見えるのも変。」という質問に対し、「画面右奥には山並みが見えるので海岸の風景。積み藁に見えるのは浜辺の小屋かもしれない。」との答え。
もう一つは、同じく第Ⅱ章の寺松国太郎《サロメ》(1918)。「モローやビアズリーの《サロメ》は立っている姿だが、この絵のサロメは横になっている。なぜ、横になっているか分からない。」という質問に対し、「当時、松井須磨子主演のサロメが上演されている。舞台では、横になる演出があったのかも。」との答え。家に帰ってネットで検索すると、松井須磨子主演の「サロメ」は大正3年(1913)12月に帝国劇場で上演。また、横になっているサロメの画像もありました。 
     Ron.

解説してくださった土生学芸員。ありがとうございました

解説してくださった土生学芸員。ありがとうございました

奈良美智展ミニツアー 豊田市美術館

カテゴリ:ミニツアー 投稿者:editor

 7月23日日曜日、どんよりと曇った空のもと、豊田市美術館にて奈良美智展のミニツアーが開催されました。集まった会員は25名。奈良さんの展覧会がどのようなものか、初めてなのでワクワクです。

 まずは初期の頃の作品。まだあの目の大きな女の子は出てきません。荷物の運搬用の木のパレットに描かれた作品や、金髪のかわいい女の子の横顔など。でも全体の色調はとっても鮮やかで、中間色が見事に生かされたカラフルな作品。これもとても面白いです。

 そして、奈良さんと分る大きな目の肖像画。様々なバックの色や目の表現にバリエーションもあり、観る者の目を楽しませてくれます。

 2階へ上がるとメルヘンな世界。奈良さんが制作したお家や、天井にはお月様のようなものもあり、部屋全体がおとぎの国のようです。立体作品もいくつかあり、奈良ワールドを堪能できる展覧会でした。

 急遽講堂でのレクチャを変更して展示室を案内しながら解説してくださった豊田市美術館の鈴木俊晴学芸員に、感謝申し上げます。

協力会

エルミタージュ美術館展ミニツアー

カテゴリ:ミニツアー 投稿者:editor
レクチャルーム解説会

レクチャルーム解説会


 7月2日日曜日、朝から蒸し暑い中、愛知県美術館で開催中の「エルミタージュ美術館展」ミニツアーを開催しました。展覧会自体も始まって間もないこともあり、37名が参加しました。
 まずは担当学芸員の石崎尚さんから、この展覧会についてのレクチャを受けました。
 エルミタージュ美術館は、ドイツからロシアに来た外国人であったエカチェリーナ2世がベルリンの実業家から取得した317点の絵画コレクションがそのはじまりといわれています。その後も歴代皇帝が国家の威信をかけて美術品を蒐集し、世界でも有数の質と規模をほこる美術館となったそうです。
 展覧会はいくつかの章に分かれて構成されています。オランダは、ロマノフ王朝の黄金期、国民が日所に裕福で、一般家庭でも家に絵をかけていたそうです。オランダというとレンブラントが有名で、エルミタージュ美術館にはレンブラントの間があり、その作品が20点以上飾られているということです。フランドルの章ではルーベンスが代表的な作家として取り上げられています。そのほかにもスペインのムリーリョ、スルバラ、フランスのギャラント、バトウ、フラゴナールなどが展示されていました。またドイツやイギリスも当時の芸術の後進国としてとりあげられ、クラーナハなども展示されています。
解説してくださった石崎尚学芸員。ありがとうございました。

解説してくださった石崎尚学芸員。ありがとうございました。

名古屋ボストン美術館 パリジェンヌ展

カテゴリ:ミニツアー 投稿者:editor

名古屋ボストン美術館で開催中の「パリジェンヌ展」(以下「本展」といいます。)ミニツアーに参加しました。参加者は27名。1階の壁画前で待ち合わせ、美術館5階のレクチャールームで名古屋ボストン美術館の柳沢学芸員から解説を聴いた後は自由行動でした。
◆本展の特色、構成
 柳沢学芸員によれば、本展のキャッチコピーは「憧れるのはなぜ」。英語表記では“La Parisienne : Portraying Women in the Capitalof Culture,1715 – 1965”と、年代が入っている。1715年は太陽王ルイ14世が死去し、文化の中心地がベルサイユからパリに移った年で、ロココの時代から20世紀までを年代別にたどった展覧会。
 本展の構成は、第1章がフランス革命まで、第2章は概ね王政復古の時代、第3章と第4章は時代が重なり、ナポレオン3世による第二帝政の時代、第5章は19世紀後半から狂騒の1920年代を経て、第2次世界大戦後の時代まで、とのことでした。
◆第1章 パリという舞台―邸宅と劇場にみる18世紀のエレガンス
 この章の見どころは、《ドレス(3つのパーツからなる》(1770年頃)ですね。左右に広がった「かご型パニエ」をスカートの下に着用するフランス宮廷の正装、ローブ・ア・ラ・フランセーズ。刺繍や花びら状のレースが豪華です。背にはプリーツが畳まれ、ゆったりと広がっています。「ファッション誌のルーツ」と柳沢学芸員から説明のあった《ギャルリー・デ・モード・エ・コスチューム・フランセ》に描かれた流行の衣服も同じスタイルです。また、《ギャルリー・デ・モード……》の他の号に描かれた巨大なヘアスタイルには、びっくり。フリゲート艦をあしらったものや羽飾りのついたものなど、今から見ると滑稽ですね。
次に目を惹くのは、《ティーセット(箱付)》(1728-29年)です。内容は、日本製磁器の砂糖壺とカップ・ソーサーに銀のティーポットとキャニスター(防湿用の蓋付き容器)などですが、なんと金襴手のカップは取って手のない「湯呑」でした。説明書きによれば「フランスではコーヒーよりもお茶の方が早く普及」とのこと。
◆第2章 日々の生活―家庭と仕事、女性の役割
 この章は、「女性の生き方」が主題。柳沢学芸員の解説によれば、ルソーが提唱した「母親が子どもの世話をするのは良いこと」という思想が広まり、良妻賢母を主題にした絵画が描かれたとのことでした。その一方で、子育てや家事をないがしろにする女性を揶揄した、ドーミエ《青踏派》(1844年)やブルジョア相手の娼婦を描いた、ポール・ガヴァルニ《ロレットたち》(1841年、1842年)なども展示されています。
ファッションとしてはボワイー《アイロンをかける若い女性》(1800年頃)が着ている、ギリシア・ローマ風のハイウエストで自然な感じのドレスが印象的です。柳沢学芸員も「この絵が好き。」とのこと。また、この絵により当時のアイロンは鉄製の鏝(こて)のようなもので、アイロン台の横に置いた炭火の炉でアイロンを加熱しながら使っていたと知りました。
◆第3章 「パリジェンヌ」の確立―憧れのスタイル
 この章の見どころは、《ドレス(5つのパーツからなる)》(1870年頃)。正面のシルエットが細身で、スカートの後ろを膨らませたバッスル・スタイルのドレスです。柳沢学芸員によれば、制作者のシャルル・フレデリック・ウォルトはイギリスから来た「オートクチュール」(あらかじめデザインを示す高級注文服)の創始者で、紫色は化学染料で可能となった色とのこと。プリーツを寄せたパーツをスカートの後ろに垂らしているのが印象的。ちょうど、女雛の裳(も:袴の上につけ、後方のみに垂れた襞飾りのある衣服)のようなものです。絨毯のように大きなジャガード織のショールや、靴、手袋などの展示もありました。
 絵画ではヴィンターハルター《ヴィンチェスラヴァ・バーチェスカ、ユニヤヴィッチ夫人》(1860年)の衣装が豪華で、目を惹きました。なお、この衣装はスカートが半球状に広がったクリノリン・スタイル(19世紀中頃)と思われます。女性のファッションを皮肉ったドーミエの風刺新聞『シャリヴァリ』に描かれているのもクリノリン・スタイルのドレスです。
 小品ですが、着物のような衣装の女性などを描いた、フェリシアン・ロップス《優雅な生活》(1892年)には、春のツアーで行った兵庫県立美術館「ベルギー 奇想の系譜」で見た彼の作品と同じような、妖しげな雰囲気が漂っていました。
◆第4章 芸術をとりまく環境―制作者、モデル、ミューズ
 この章の見どころはマネ《街の歌い手》(1862年頃)でしょう。柳沢学芸員によれば、この絵は、古いニスを除去する修復によりグレーの衣装が美しくなった。モデルはヴィクトリーヌ・ムーラン。彼女は、マネの《草上の昼食》や《オランピア》でもモデルを務め、後年はサロンにも出品する画家として活躍。制作者、モデル、ミューズを一人で体現した人、とのことでした。
 「製作者」としては、モリゾやカサットの作品のほか、女優のサラ・ベルナールが恋人をモデルに制作したブロンズのレリーフ《ルイズ・アベマの肖像》(1875年)が展示されています。「ミューズ」としては、ピカソが自分だけのモデルにした《フェルナンド・オリヴィエ》(1905-1906年)や《女性の頭部》(1909年)の展示があります。
◆第5章 モダン・シーン―舞台、街角、スタジオ
 この章の見どころは、ドレスの実物。女性をコルセットから解放したという、ローウエストで直線的なスタイルのアール・デコのジャン・パトゥ《ドレス》(1925-28年)、ウエストを細く絞ったクリストバル・バレンシアガ《ツーピースのカクテルドレス》(1949年)とミニスカートのワンピース、ピエール・カルダンの《ドレス》(1965年頃)の3種で、デザイン画も多数あります。
この章では、ポストカードが多数紹介されています。柳沢学芸員によれば、1900年前後はポストカードのブームだったとか。外には、ジュール・シェレ《モンターニュ・リュス》(1889-90年頃:スペインの踊り子を描いたミュージックホールのポスター)、ブラッサイの《モンパルナスのキャバレーで歌うキキ》(1933年)、アフリカ系アメリカ人ダンサー、ジョセフィン・ベーカーの動画や写真、「ギャルソンヌ」と呼ばれるボブカットでボーイッシュなスタイルの女性を描いた、パヴェル・チャリチェフ《ボンジャン夫人》(1930年)、エッフェル塔を背景にしたジュール・アーロンの写真《モデルと写真家、パリ》(1950年)など。
◆最後に
 3階ロビーには、大人用と子ども用のクリノリンスタイルのドレスとバッスルスタイルの大人用ドレス2種にアール・デコのドレスが展示されています。着用手順を説明する写真があるので、コスプレも楽しめます。ミラボールが回っており、撮影にもピッタリです。
なお、展示室の冷房は強めですから冷房が苦手な方は上着を用意するか、展示室入口でストールを借りることをお勧めします。また、Youtubeで視聴できる「パリ:狂騒の1920年代」というNHK・海外メディア合作のドキュメントは、本展鑑賞の参考になります。
会期は10月15日(日)まで。
                      Ron.

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